Packaging Ilustrado. Anteproyecto.

En este último ejercicio se nos ha planteado la realización de un anteproyecto que nos sirva (en cierta manera) como entrenamiento para el anteproyecto de nuestro proyecto final de ciclo.
Mi trabajo consiste en la creación de un packaging ilustrado para el Estudio Birlocha en el que la aplicación se aplica a un producto (un envase).

Puedes ver el trabajo completo aquí
Y estos son los prototipos diseñados para el packaging:

Ilustración para joyería

Este proyecto es una actividad colaborativa entre los alumnos del ciclo de joyería y los alumnos del ciclo de ilustración. La propuesta consistía en la realización de una ilustración a modo de pattern para su incorporación a una pieza de joyería para una colección que acompañaría a unos diseños de David Delfín. Las premisas eran la primavera (elementos vegetales y pájaros) y la geometría.

Esta fue mi propuesta:

Ilustraciones para Frankenstein.

En este proyecto desarrollamos tres ilustraciones para una edición ficticia de la novela gótica de Mary Shelley Frankenstein o El moderno prometo. Se trata por tanto de un proyecto de ilustración editorial en el que se han realizado dos ilustraciones interiores y una para la portada.

Podéis ver la memoria del proyecto aquí

Proyecto libre metáforas. FANZINE CASCARUJA #0

Último proyecto centrado en la creación de metáforas visuales como forma de expresión en la ilustración. En el caso de mi proyecto, se ha planteado un prototipo para un fanzine, cuyo contenido esta dedicado a algunos vocablos y expresiones propias del habla murciana. En total hay cuatro palabras con sus correspondientes ilustraciones realizadas mediante collage.

Podéis ver la memoria del proyecto aquí

Y os dejo también una imagen del interior del fanzine.

Metáfora visual. Artículos de prensa

Ejercicio en el que a partir de un texto (artículo de prensa) teníamos que realizar una ilustración usando la metáfora visual.

Amistades cenagosas

Alientos

La mujer del cuadro

Metáforas visual a partir de conceptos.

Ejercicio en el que teníamos que desarrollar una ilustración usando la metáfora visual para ilustrar una lista de seis conceptos.

Fortaleza

Obsesión

Independencia

Juego

Vacio

Dolor

PROYECTO PARA ASTRADE. ILUSTRACIÓN Y AUTISMO

La asociación ASTRADE de Murcia, que se encarga de mejorar las condiciones de vida de enfermos de autismo así como de ofrecer información y asesoramiento, propone a la Escuela de Arte de Murcia un proyecto para editar una serie de calendarios en los que se reproduzca una ilustración de un lugar emblemático de Murcia junto a un retrato de un niño autista, para autofinanciarse con la venta de esto calendarios. El proyecto que sigue ha sido el realizado para dicho proyecto.

Podéis ver la memoria del proyecto aquí

Metáfora visual. 6 metáforas. 6 aforismos

En este proyecto se han escogido seis aforismos o citas de personajes destacados de la Historia para realizar una serie de seis ilustraciones usando la metáfora visual.

''Las lágrimas más amargas que se derraman sobre las tumbas son las palabras sin decir y las obras inacabadas'' (Harriet Beecher Stowe)

'' El sexo solo es sucio si se hace bien'' (Woody Allen)

''La raza humana tiene un arma verdaderamente eficaz: la risa'' (Mark Twain)

''La Fortuna se cansa de llevar siempre a un mismo hombre sobre sus espaldas'' (Baltasar Garcián)

''Nunca llegarás a tu destino si te detienes a arrojar piedras a cada perro que te ladre'' (Winston Spencer Churchill)

''La vida ofrece a cada criatura su capa de amargura'' (Manuel Azaña)

Podéis ver la defensa de las metáforas aquí

Beautiful Losers (2008)

Beautiful Losers.
Aaron Rose y Joshua Leonard. E.E.U.U. (2008).

Beautiful Losers es un documental que se centra en un grupo de artistas que en 1990 coincidieron en una galería alternativa de New York. Estos artistas, procedían del mundo del arte urbano, la ilustración, el diseño o el video. Cada uno con su forma particular de hacer arte pero compartiendo un mismo espíritu: DIY (Do It Yourself).

La cinta se configura a través de entrevistas a estos artistas, que nos hablan de sus orígenes como artistas callejeros y de sus influencias. Todos ellos provienen de ambientes juveniles alternativos, ambientes donde  la creatividad y las ganas de hacer cosas eran una constante. Destaca de estos artistas el hecho de que con pocos materiales o con unos medios muy escasos logran hacer obras de una gran calidad y atractivo, remarcando el hecho de que no por usar y tener unos medios mejores se van a hacer mejores piezas de arte.

Por otro lado cabe destacar la importante labor de la galería en la que coinciden, que actúa como catalizador de la creatividad individual de cada uno de estos artistas. Esta galería, que comienza en un primer momento como un espacio al margen del circuito de galerías de New York, confirma el hecho de que a veces, el arte y las manifestaciones plásticas que están dentro del establishment cultural no son tan interesantes o tan ''frescas'' como las que se hacen fuera de él. Me parece realmente interesante y un modelo de funcionar a tener en cuenta, el que sigue esta galería y reafirma la necesidad de conformar espacios de este tipo, para que artistas que estan empezando o artistas que no quieren o no pueden entrar en el circuito de arte general muestren su trabajo. Este tipo de galerías y espacios, cada vez están más presentes en nuestras ciudades, cosa que es de agradecer ya que suponen una forma de aglutinar y fomentar la cultura más viva de las ciudades. 

Me quedo tras ver el documental, con la idea del DIY, ya que en un tiempo en el que nadie o casi nadie apuesta por nadie, es necesario por parte del creador un cambio de mentalidad y un gran esfuerzo para que su trabajo salga adelante y sea conocido. Este cambio por supuesto debe partir del propio creador, el cuál debe estar constantemente realizando labores de promoción y estando ''en todos sitios'', labores de autoedición, etc. debe colaborar con otros artistas y relacionarse con ellos para aprender de lo que hacen otros y porque de la unión nace la fuerza. El cambio de mentalidad por tanto debe dirigirse hacia una salida de los circuitos más comerciales,que por falta de medios o interés no apuestan por creadores jóvenes y una entrada en espacios y en actividades más acordes con las premisas de DIY y de lo alternativo. 

6 Ilustradores opinan. Carmen Iranzo. Entrevista a Isidro Ferrer.

Carmen Iranzo lanza,  como nos tiene acostumbrados, una serie de preguntas a un ilustrador español actual y de renombre, para que nos de su visión sobre el panorama de la ilustración en general, sobre diferentes aspectos de su labor como ilustrador y sobre algunos puntos referentes al oficio de ilustrador. En esta ocasión, el entrevistado ha sido Isidro Ferrer. 

Es muy interesante tras leer la entrevista, el punto de vista (que comparto) que sobre ilustrar y sobre la ilustración tiene I.F. Para este autor, ilustrar es satisfacer una necesidad de expresión interior, una necesidad de decir cosas a través de imágenes. 

Por otro lado, me resulta muy didáctica la forma que tiene I.F de entender la evolución en el trabajo del ilustrador. Para I.F. se evoluciona teniendo en primer lugar una curiosidad que satisfacer, un querer llegar al sitio en el que están otros y recorrer ese camino. Es en ese camino, donde el ilustrador evoluciona y aprende. Ver cine, leer, vivir, comer, pasear, estar atentos a lo que sucede a nuestro alrededor, pensar, reflexionar... son también claves para la evolución de un ilustrador y para conformar su propio ''sitio'', su propia forma de expresar. Estoy bastante de acuerdo también en cuanto al peligro que supone acomodarse en lo que uno ya sabe hacer, pues así no se cambia, no se evoluciona. 

Por lo tanto y para mi trabajo personal, tomo como principales enseñanzas de este autor la necesidad que tienen los ilustradores de aprender continuamente, de evolucionar y de reflexionar sobre el propio trabajo y sobre el de otros. 

                 

  

              

Antonio Muñoz Molina. Relámpagos de El Roto. El País 2013

''I don´t need time, I need a deadline'' (Duke Ellington).

Andrés Rábago García o El Roto, es un ilustrador de prensa de formación autodidacta, que desde 1968 ha publicado sus ilustraciones (de aire crítico e irónico) en medios impresos como Hermano Lobo, La Codorniz o El Jueves.

Desde hace unos años, publica a diario en el periódico El País una ilustración sobre un tema de actualidad. Este trabajo, obliga a nuestro ilustrador a estar una continua actividad creadora, en un continuo estar informado de lo que sucede y sobre todo, a un continúo ejercicio de su labor. El autor del articulo nos dice que El Roto esta sometido a los imperativos formales y temporales de las ediciones diarias, que sobre esas premisas son sobre las que trabaja el autor y que sobre esas premisas ha logrado construir un lenguaje y una forma de hacer únicos, alcanzando en cada viñeta diaria el grado de concreción, síntesis y armonía entre lo gráfico y el mensaje, que hacen de sus obras auténticas metáforas o poesías visuales de gran poder.

El cerebro y la mano de El Roto, trabajan a contrareloj, pues cada segundo que pasa, es un segundo que lo acerca a la hora de la impresión, algo que no se puede retrasar. La hora de entrega, la presión del tiempo que se acaba, no parecen achicar a este autor, sino todo lo contrario, ayudan a que en cuestión de horas, y como una olla express, cueza y coma y digiera una ilustración, que condensa en unos pocos trazos y colores un mensaje rotundo.

De la forma que tiene El Roto de trabajar me quedo con la idea de constancia, de pensar y tratar la ilustración minuto a minuto, diariamente. Como ilustradores debemos además estar al tanto de lo que sucede a nuestro alrededor ya que somos comunicadores, y parte de lo que vemos y vivimos se debe reflejar de alguna manera en nuestras obras. Por lo tanto, el trabajo continuo y la no dependencia a la tan manida y caprichosa ''inspiración'', además de pulir y trabajar sobre una ilustración hasta conseguir una imagen en la que ni sobre ni falte nada, son las enseñanzas que extraigo de este artículo, amén del hecho de que nuestras ilustraciones deben transmitir visualmente un mensaje. 

                

Frankenstein o el moderno Prometeo. Mary W. Shelley.

Frankenstein o el moderno Prometeo.

1818. Mary Wollstonecraft Shelley.

Os voy a recomendar esta novela por varias razones:

1. Fue escrita por una mujer en una época en la que las mujeres raramente destacaban por otra cosa que no fuese su saber estar y su castidad dentro de un ambiente y una sociedad dominada por el hombres.

2. La gestación de esta novela parece salir de otra. En 1816 Mary Shelley, Lord Byron, John Polidori y Percy Shelley, se retiraron a pasar una agradable temporada a un castillo en Ginebra. Para entretenerse durante las largas noches decidieron empezar a contar viejas historias alemanas de fantasmas, pero pronto se aburrieron de este pasatiempo y emprendieron otra actividad mucho más creativa; Lord Byron propuso que cada uno escribiese su propia historia de fantasmas. Durante esa noche, Mary Shelley tuvo una terrible pesadilla en la alcoba del viejo castillo donde se hospedaba y a los pies de su cama: 

Vi, con los ojos cerrados pero con una nítida imagen mental, al pálido estudiante de artes impías, de rodillas junto al objeto que había armado. Vi al horrible fantasma de un hombre extendido y que luego, tras la obra de algún motor poderoso, éste cobraba vida, y se ponía de pie con un movimiento tenso y poco natural. Debía ser terrible; dado que sería inmensamente espantoso el efecto de cualquier esfuerzo humano para simular el extraordinario mecanismo del Creador del mundo

Así nació Frankenstein.

3. La obra, detenidamente leída, es un cúmulo de referencias al ambiente intelectual y científico que reinaba durante los años posteriores a la Ilustración. En ella podemos rastrear los experimentos que por aquel entonces se estaban desarrollando en relación a la electricidad y a la animación de carne muerta (por Erasmus Darwin quién afirmaba que había conseguido animar mediante la aplicación de electricidad unas ancas de rana. Lo que en realidad movió fueron los nervios de este animal que sufrieron espasmos al aplicarle la corriente eléctrica). Por otro lado, el propio personaje del monstruo de Frankenstein es un claro ejemplo de las teorías de Rousseau sobre el buen hombre, según el cuál todos los hombres nacen buenos y es la sociedad la que termina haciéndolos malvados. Por último, la novela tiene una enorme vigencia actual, ya que supone, al igual que en su época, un toque de atención hacia el desmesurado desarrollo de la ciencia, hacia las posibilidades de ésta y plantea entre otras, la cuestión de si está el hombre preparado para los avances y logros de la ciencia.

4. En cuarto lugar, os recomiendo leer esta novela para derribar los clichés que sobre el mito de Frankenstein se han ido construyendo a lo largo de los años, generalmente por el cine, pues aunque existen ejemplos extraordinarios de cintas basadas en esta novela, solamente una, en mi opinión se acerca a lo que la novela logra transmitir: Mary Shelley´s Frankenstein de Kenneth Branagh.

5. La novela, no habla solamente de un monstruo creado por la mente loca de un científico, sino de la soledad y la tristeza que siente el monstruo al sentirse rechazado por todos, incluso por su padre-creador. Habla también de los prejuicios y de como la sociedad rechaza a aquellos individuos que no encajan con lo que debe ser ''normal''. La novela logra además que nos identifiquemos con el monstruo y sintamos desde el frío de sus pies desnudos hasta la desolación y la rabia que siente su alma al preguntarse quién es, por qué esta sólo o porque su ''padre'' y la sociedad reniegan de él. 

6. El monstruo de Frankenstein (fijaos que ni tan siquiera tiene nombre, es un objeto, un ser que pertenece al doctor Victor Von Frankenstein) es una completa incognita identitaria. Su cuerpo, creado con un collage de cuerpos, carece de pasado, de recuerdos...es un ser completamente blanco a la espera de ser educado de la mejor manera o aprender a base de palos de las situaciones que se le plantean y forjar en consecuencia su personalidad en base a la violencia, el desprecio y el horror. He aquí otra enseñanza de este libro: la educación lo es todo. 

Pues eso, que os la leáis que mola mazo.

El diablo y Daniel Johnston

El diablo y Daniel Johnston (The Devil and Daniel Johnston)
2005. E.E.U.U. Director: Jeff Feuerzeig.

Después del visionado de este documental queda claro el inmenso potencial creativo de Daniel Johnston, un talento que no disminuye ni con la edad ni con los problemas mentales del protagonista. Sin embargo, este documental parece subirse al carro de aquellos trabajos que tratan sobre artistas outsiders, como es el caso de la cinta Que tienes debajo el sombrero sobre la vida de la artista con síndrome de Down Judith Scott o el trabajo sobre la obra de Henry Darget En los reinos de lo irreal.

Estos trabajos siguen la estela de ese interés, que comenzase durante los primeros años del s.XX, cuando las vanguardias artísticas, aburridas y cansadas del Arte y las manifestaciones plásticas más académicas, buscasen, en el arte de las personas marginadas y en los niños, una fuente de inspiración y renovación conceptual y formal. Este interés por aquellos artistas outsiders, artistas que pertenecen al movimiento del art brut (término acuñado por Jean Dubuffet), responde en mi opinión a un vago aburrimiento por parte de las élites intelectuales, que pretenden hallar en las manifestaciones artísticas de personas sin ninguna formación, un ejemplo de arte puro y sin contaminar que, irónicamente logran institucionalizar al colocarles una etiqueta y hacerlos formar parte de los circuitos tradicionales del arte (galerías, subastas, museos, etc).

Me pregunto tras ver el documental, si Daniel Johnston (aparte de su talento, que lo tiene) no será uno más de esos fenómenos temporales encumbrado por unos fans y unos productores-galeristas, que buscan la novedad y lo raro. La enfermedad mental de Daniel, bien parece ser el detonante de esa Danielmania, pues el tópico nacido durante el Románticismo del artista-genio-loco sigue vivo y con más poder que  nunca (a juzgar por el inmenso atractivo e interés que despiertan tanto los trabajos de estas personas como los trabajos creados a partir su vida). No estoy con ello menospreciando el indudable talento ni valor de las expresiones plásticas de estos outsiders, sino al sistema y al público que se mueve siguiendo unos tópicos que hace mucho dejaron de tener validez, sin cuestionarse ni plantearse que hay detrás de esas personas cuando dejan de ser  novedad: ¿Qué es de Daniel ahora? ¿vive con sus padres o ha terminado interno en una clínica? ¿sigue haciendo música? ¿porque ningún productor ni sello discográfico ha apostado lo suficiente por él, si al parecer, sus canciones eran tan buenas como las de Bob Dylan?, ¿qué ha pasado con esa Danielmania? ¿hubiese sido igual de famoso e interesante si Kurt Kobain no hubiese llevado la camiseta de Daniel Johnston?......

En cuanto al documental, me ha parecido un excelente trabajo desde el punto de vista narrativo y estético, plagado de imágenes en Super 8 (la mayoría tomadas por el propio Daniel) que le dan un aire de añoranza y melancolía, muy acorde con las letras del protagonista y con formas muy originales de mostrar el trabajo gráfico de Daniel a través de animaciones.

Ilustración Técnica. Manual. Planchar es fácil. Qué hacer y qué no.

Planchar es fácil. Qué hacer y qué no.

El siguiente proyecto sigue las directrices de la ilustración técnica y de manual para realizar una especie de manual de uso sobre la plancha y el acto de planchar. Con toques de humor y de absurdo se contraponen dos acciones, la correcta y la incorrecta, que pretenden enseñar al usuario lo que se debe y lo que no se debe hacer cuando se maneja una plancha.

Puedes ver el manual completo aquí: http://issuu.com/juandiegogonzalvez/docs/planchar_es_f__cil_38dfa420f4a658

Puedes ver el trabajo completo aquí

Ilustración descriptiva. Ilustraciones para cerámica.

Conjunto de ilustraciones que, a modo descriptivo, muestran tres posibles diseños para su aplicación a unas piezas cerámicas. Las ilustraciones que se presentan irían inmersas en el contexto de un catálogo de cerámica de autor en ediciones limitadas (ficticio).

Podéis ver el trabajo completo aquí

6. Ilustradores opinan. Carmen Iranzo. Entrevista a Meritxell Duran.

En esta entrevista, la ilustradora Meritxell Duran responde, al igual que sus cinco compañeros de profesión, a una serie de cuestiones relacionadas con la labor del ilustrador y su lugar dentro del entramado cultural de nuestro país.

M.D entiende la ilustración como una proyección de su interioridad. Para ella, ilustrar es una forma de terapia, una forma de curación, pues intenta explicar lo que le ocurre a través del dibujo, establece por tanto una férrea unión entre la vida del ilustrador y el oficio del ilustrador. M.D. entiende que una ilustración sincera sale de dentro del autor; un autor que se conoce a sí mismo y que ha buceado en su experiencia vital.

A pesar de tener una formación como escultora y una carrera como artista, M.D. decide abandonar el mundo de las Bellas Artes y dedicarse a la ilustración debido a cuestiones de esfuerzo y a una visión un tanto negativa (y estereotipada) del mundo del Arte Contemporáneo, que entiende como un terreno lleno de egocéntricos. En cuanto a su relación con el diseño gráfico, M.D. nos dice que los dos campos se van abriendo pero de manera separada, sin comunicarse ni colaborar. Entiende también que en la ilustración podemos encontrar el alma del autor, mientras que en el diseño gráfico solo interesa la mejor organización de los elementos visuales.

En cuanto a su visión de la ilustración en el territorio nacional, M.D. Advierte un claro crecimiento de este oficio y una mayor toma de conciencia de su existencia por parte del gran público, gracias en parte a la ilustración a la moda, que acerca y hace más entendible la ilustración al publico en general, ayudando también a crear y cultivar un gusto y una cultura gráfica de la que carecemos. Por eso no ve con malos ojos las relaciones que se puedan dar entre ilustración y publicidad, ya que es un soporte que puede ayudar a dar mayor visibilidad al oficio del ilustrador.

Como profesora de ilustración M.D nos da unas pinceladas muy interesantes, tanto sobre su concepto de enseñanza como de su proceso de creación de imágenes:

1. Pulir la ilustración formal y conceptualmente.
2. Realizar cuantos más bocetos mejor, desechando la primera idea.
3. Respeto hacia los estudiantes y la importancia de enseñarles el oficio de ilustrador de una forma rigurosa.
4. Importancia capital de la lectura. Si no sabemos leer, si no sabemos comprender un texto y la intención del autor, nos va a ser prácticamente imposible.
   
   
   
   
   

6 ilustradores opinan. Carmen Iranzo.

Entrevista a Arnal Ballester.

En esta entrevista Arnal Ballester es cuestionado sobre aspectos que atañen tanto a la labor del ilustrador como al mundo que rodea a la ilustración, haciendo un repaso  por su trayectoria vital y profesional así como por sus intereses personales, ideas y opiniones sobre diferentes aspectos de su labor. A este respecto, han resultado de interés ciertas opiniones con las que me puedo sentir identificado y otras que me han despertado una leve discrepancia.

En primer lugar comparto la opinión de Arnal Ballester sobre el deber que para un ilustrador ha de ser la lectura y la comprensión de lo que se lee; por otro lado entiendo que es necesario para la ilustración actual ciertas plataformas, colectivos o editoriales más independientes donde se fragüe una ilustración que aporte algo más que la ilustración mainstream de la industria oficial, lugares desde donde salgan nuevos lenguajes gráficos. Como estudiante estoy de acuerdo en lo que dice Arnal Ballester respecto a que una etapa de la formación de un ilustrador debe ser ''copia'' y de querer acercarse a sus referentes (para luego abandonarlos).

Sin embargo discrepo ligeramente en cuanto a lo que Arnal entiende por ilustración, pues para él sería interpretar un texto hasta que en ocasiones la imagen obtenida pueda contradecir al propio texto. Yo opino que la ilustración debe interpretar un texto, no describirlo; pero esa interpretación no debe dejar de alejarse demasiado de la idea o de lo que el autor del texto quiere transmitir, por que sino estaríamos haciendo una obra autónoma, y desde mi punto de vista la ilustración se debe a un texto. Discrepo también en cuanto a que Arnal Ballester, desecha el componente decorativista y ornamental de la ilustración, ya que soy de la opinión de que la ilustración a parte de hacer más entendible un texto, también lo hace más bello. 

En cualquier caso, este tipo de documentos (entrevista) siempre son de gran utilidad para el interesado en la ilustración, ya que permite conocer de primera mano las opiniones de reputados profesionales del sector.

                                               

                              Arnal Ballester. Quam erem micos. David Grossman. Editorial Cruilla. 2004